Japanisches Design im 20. Jahrhundert: Von der Tradition zum Modernismus

wp:paragraph Wenn man von japanischem Design spricht, denkt man an bestimmte symbolträchtige Objekte wie die Sojasaucenflasche Kikkoman Kikkoman (Kenji Ekuan), den Sony Sony Walkman, der Ende der 70er Jahre die Art des Musikhörens revolutionierte und den amerikanischen und europäischen Markt eroberte, oder auch an Hightech-Produkte. Dennoch ist japanisches Design weit davon entfernt, sich nur auf materielle und funktionale Aspekte zu beschränken. Jahrhunderts wurzelt es in der handwerklichen Tradition, die tief in der Kultur des Landes verwurzelt ist, bevor es nach und nach westliche Techniken aufnimmt, um schließlich Erbe und Moderne zu vereinen und selbst avantgardistisch zu werden. /wp:paragraph wp:paragraph Die ersten modernen japanischen Architekten und Designer haben eines gemeinsam: Sie kommen nach Europa, um von den großen westlichen Meistern zu lernen. Vor allem mit dem Bauhaus Bauhaus brodelte es damals in Europa vor neuen Ideen. Ende der 1920er Jahre arbeiteten 2 große japanische Persönlichkeiten, die zu den Pionieren der modernen Architektur und Stadtplanung in Japan gezählt wurden, Junzō Sakakura (1901-1969) und Kunio Maekawa (1905-1986), im Atelier von Le Corbusier. Unter den strengen Augen des Schweizer Großmeisters erlernten sie die Techniken der damaligen Zeit, bevor sie in ihr Land zurückkehrten. /wp:paragraph wp:image {"align": "center", "id": "13247, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Luftaufnahme eines symbolträchtigen Bauwerks von Kunio Maekawa: Die Tokyo Metropolitan Festival Hall (Tokyo Bunka Kaikan), 1957 entworfen und 1961 eröffnet. Das Gebäude war die erste Konzerthalle Japans. Das schwere Gesims und die Dachaufbauten erinnern an die Arbeiten von Le Corbusier, für den Maekawa bereits gearbeitet hatte. Luftaufnahme eines symbolträchtigen Bauwerks von Kunio Maekawa: Die Tokyo Metropolitan Festival Hall (Tokyo Bunka Kaikan), 1957 entworfen, 1961 eröffnet. Das Gebäude war die erste Konzerthalle Japans. Das schwere Gesims und die Dachaufbauten erinnern an die Arbeiten von Le Corbusier, für den Maekawa bereits gearbeitet hatte. archeyes /wp:image wp:image {"align": "center", "id": "13248", "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Ein weiterer Blick auf den Tokyo Bunka Kaikan. Eine Stahlbetonkonstruktion, die typisch für den damaligen "Le Corbusier"-Stil ist. Neben der Halle befindet sich übrigens das Nationalmuseum für westliche Kunst, das von Le Corbusier selbst entworfen wurde. Ein weiterer Blick auf den Tokyo Bunka Kaikan. Eine Stahlbetonkonstruktion, die typisch für den damaligen "Le Corbusier"-Stil ist. Übrigens: Direkt neben der Halle steht das Nationalmuseum für westliche Kunst, das von Le Corbusier selbst entworfen wurde. archeyes /wp:image wp:image {"align": "center", "id": "13249", "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Tokyo Bunka Kaikan, Architekt: Kunio Maekawa, 1957. Blick ins Innere des Gebäudes, allgegenwärtiger Rohbeton. Tokyo Bunka Kaikan, Architekt: Kunio Maekawa, 1957. Blick in das Innere des Gebäudes, allgegenwärtiger Rohbeton. © archeyes /wp:image wp:paragraph Es war übrigens Junzō Sakakura, der Charlotte Perriand Charlotte Perriand vorschlug, als zeichnende Beraterin für dekorative Kunst beim japanischen Handelsministerium zu arbeiten. Die abenteuerlustige Perriand zögerte nicht und reiste 1940 nach Japan. Von ihrem japanischen Abenteuer ließ sich Perriand von der japanischen DNA des Designs inspirieren und entwarf nach ihrer Rückkehr nach Frankreich Möbelstücke, die Kultstatus erlangten. /wp:paragraph wp:image {"align": "center", "id":13250, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Ombra Tokyo Chair, Design: Charlotte Perriand, 1954. Ein leichtes, stapelbares Stück, das direkt von der traditionellen japanischen Kunst, insbesondere der Kunst des Faltens (Origami), inspiriert wurde, ein sehr klares Design. Stuhl Ombra Tokyo, Design: Charlotte Perriand, 1954. Ein leichtes, stapelbares Stück, das direkt von der traditionellen japanischen Kunst, insbesondere der Kunst des Faltens (Origami), inspiriert wurde, ein sehr schlichtes Design © ambientedirect /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13251, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Aufbewahrungsregal 526 Nuage, Design: Charlotte Perriand. In Japan besteht die Wohnungseinrichtung aus halbfertigen Elementen, die wiederverwendet werden: Tatami-Matten, Türen, Trennwände, ... Dieses Stück erinnert an die traditionellen Schiebetüren, die in Japan "shôji" genannt werden, und an die Kunst, den Innenraum zu optimieren. Aufbewahrungsbibliothek 526 Nuage, Design: Charlotte Perriand. In Japan besteht die Ausstattung der Wohnung aus halbfertigen Elementen, die wiederverwertet werden: Tatami-Matten, Türen, Trennwände, ... Dieses Stück erinnert an die traditionellen Schiebetüren, die in Japan "shôji" genannt werden, und an die Kunst, den Innenraum zu optimieren. winkdeco /wp:image wp:paragraph Was ist also die DNA des japanischen Designs? Sie ist weitgehend in der Mingei-Mingei-Bewegung (wörtlich: Volkskunstbewegung) enthalten, die 1925 ins Leben gerufen und von dem japanischen Schriftsteller, Denker und Sammler Sōetsu Yanagi (1889-1961) theoretisiert wurde. Inspiriert von der englischen Bewegung Arts Crafts Arts Crafts , fordert Mingei die Wiederbelebung von Traditionen und die Schönheit von Alltagsgegenständen, die aus Keramik, Holz, Lack, Eisenwaren, Korbwaren und Textilien hergestellt werden /wp:paragraph wp:paragraph Es schließt alle dekorativen und luxuriösen Kunstgriffe aus und setzt stattdessen auf "natürliche, aufrichtige und sichere" Gegenstände. Im japanischen Design findet man also eine Mischung aus handwerklichen Traditionen (Bambus, Holz, Lack) in Verbindung mit dem Ausdruck einer klaren, reinen und einfachen Schönheit. In diesem Sinne ähnelt das japanische Design dem skandinavischen Designansatz der damaligen Zeit, wobei die "gemütliche" und warme Seite fehlt. Es schließt alle dekorativen und luxuriösen Kunstgriffe aus und setzt stattdessen auf ein "natürliches, aufrichtiges und sicheres" Objekt. Im japanischen Design findet man also eine Mischung aus handwerklichen Traditionen (Bambus, Holz, Lack) in Verbindung mit dem Ausdruck einer klaren, reinen und einfachen Schönheit. In diesem Sinne ähnelt das japanische Design dem skandinavischen Designansatz der damaligen Zeit, wobei der Aspekt der "Gemütlichkeit" und Wärme fehlt. /wp:paragraph wp:image {"align": "center", "id":13252, "sizeSlug": "large", "linkDestination":"none"} "White Bottle" (Vase) aus Steinzeug (Glasurtechnik) von Shōji Hamada (1894-1978), 1965, einer der berühmtesten japanischen Keramiker der Mingei-Bewegung "White Bottle" (Vase) aus Steinzeug (Glasurtechnik) von Shōji Hamada (1894-1978), 1965, einer der berühmtesten japanischen Keramiker der Mingei-Bewegung "White Bottle" (Vase) aus Steinzeug (Glasurtechnik) von Shōji Hamada (1894-1978), 1965, einer der berühmtesten japanischen Keramiker der Mingei-Bewegung. Reinheit und Eleganz ... © oxfordceramics /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13253, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Steingutteller Steingutteller von Shōji Hamada (1894-1978). In Japan ist die Keramik eine der wichtigsten Künste. Shōji Hamada erhielt 1955 den Titel "Lebender Nationalschatz Japans". von Shōji Hamada (1894-1978). In Japan ist Keramik eine bedeutende Kunst. Shōji Hamada erhielt 1955 den Titel "Lebender Nationalschatz Japans" © oxfordceramics /wp:image wp:image {"align": "center", "id": "13254", "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} "Fischerboote", 1958. Kimono, schablonengefärbte Seidengaze, Künstler: Keisuke Serizawa (1895-1984). "Fischerboote", 1958. Kimono, schablonengefärbte Seidengaze, Künstler: Keisuke Serizawa (1895-1984). Letzterer war ein Stoffmaler und Textildesigner. Im Jahr 1956 wurde er für seine Katazome-Methode der Schablonenfärbung zum lebenden Nationalschatz Japans ernannt. Er war Teil der Mingei-Bewegung. Dieser ist ein Stoffmaler und Textildesigner. Im Jahr 1956 wurde er für seine Katazome-Methode der Schablonenfärbung zum lebenden Nationalschatz Japans ernannt. Er war Teil der Mingei-Bewegung. © pinterest /wp:image wp:paragraph 2 weiteren herausragenden Persönlichkeiten des japanischen Designs wird es nach und nach gelingen, die alten japanischen Handwerkstechniken mit neuen, im Westen entwickelten innovativen Prozessen zu verbinden. Es sind Sōri Yanagi (1915-2011), der Sohn von Sōetsu Yanagi, dessen berühmte Hocker Butterfly Butterfly und Elephant Elephant um die Welt gingen, und Isamu Noguchi (amerikanisch-japanisch, 1904-1988), international bekannt für seine Akari Akari -Lampen , wahre Lichtskulpturen, und seinen Coffee Table Coffee Table . /wp:paragraph wp:image {"align": "center", "id":13255, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "custom"} Hocker ""Butterfly"": "custom". Butterfly", Design Sōri Yanagi, 1954, herausgegeben von Vitra. Der Hocker ist aus Ahorn oder Palisander gefertigt und erinnert an die Flügel eines Schmetterlings. Der Butterfly vereint die Essenz des japanischen Designs: Schlichtheit und die Suche nach der "organischen" Geste, kombiniert mit der von Charles und Ray Eames verwendeten Biegetechnik. Hocker " Butterfly", Design Sōri Yanagi, 1954, herausgegeben von Vitra. Der Hocker ist aus Ahorn oder Palisander gefertigt und erinnert an die Flügel eines Schmetterlings. Der Butterfly vereint die Essenz des japanischen Designs: Schlichtheit und die Suche nach der "organischen" Geste, kombiniert mit der von Charles und Ray Eames verwendeten Biegetechnik. /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13256, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Sōri Yanagi Sessel. Ein schöner, einfacher, aber praktischer Stuhl, hergestellt von Hida Sangyo, einem angesehenen Möbelhersteller in Takayama, Japan. Hida verschmilzt weiterhin westliche Ästhetik mit traditionellen japanischen Handwerkstechniken und lokalen Materialien. Sōri Yanagi signierter Sessel. Ein schöner und einfacher, aber praktischer Stuhl, hergestellt von Hida Sangyo, einem angesehenen Möbelhersteller in Takayama, Japan. Hida verschmilzt weiterhin westliche Ästhetik mit traditionellen japanischen Handwerkstechniken und lokalen Materialien. ookkuu /wp:image wp:image {"align": "center", "id": "13257, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Eine Reihe von Tischlampen des Designers Isamu Noguchi, die bei Vitra herausgegeben werden. Isamu Noguchi begann 1951 mit dem Entwurf seiner "Akari"-Lampen, was so viel wie Helligkeit oder Licht bedeutet. Lampen, die die traditionelle japanische Origami-Kunst (die Kunst des Papierfaltens) neu interpretieren. Tischlampenserie des Designers Isamu Noguchi, herausgegeben von Vitra. Isamu Noguchi begann 1951 mit dem Entwurf seiner "Akari"-Lampen, was so viel wie Klarheit oder Licht bedeutet. Lampen, die die traditionelle japanische Origami-Kunst (die Kunst des Papierfaltens) neu aufleben lassen. vitra /wp:image wp:image {"align": "center", "id": "13258, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Ein Handwerker fertigt in Handarbeit ein Modell einer Akari-Lampe an. Bambusrohre bilden das Gerüst. Washi-Papier, das aus der Rinde des Maulbeerbaums gewonnen wird, wird in Streifen geschnitten und auf das Bambusgerüst geklebt. Handwerker, der ein Modell der Akari-Lampe von Hand anfertigt. Bambusrohre bilden das Gerüst, Washi-Papier, das aus der Rinde des Maulbeerbaums gewonnen wird, wird in Streifen geschnitten, die dann auf die Bambusstruktur geklebt werden © vitra /wp:image wp:paragraph In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts emanzipierten sich japanische Designer nur wenig von der japanischen Handwerkstradition und ließen sich von der westlichen Moderne inspirieren. Der organische skandinavische Stil ist immer noch eine Inspirationsquelle, ebenso wie das radikalere und farbenfrohere italienische Design der 1960er Jahre. Wie in den westlichen Ländern liegt der Schwerpunkt auf der Entwicklung einer Industrie, die in der Lage ist, Möbel in großen Mengen zu produzieren. Der mit dem Unternehmen Tendo Mokko verbundene Designer Isamu Kenmochi (1912-1971) verkörpert die Schaffung und Definition des japanischen Industriedesigns. /wp:paragraph wp:image {"align": "center", "id":13259, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Ein Paar "Kashiwado"-Sessel aus Zedernholz, Design von Isamu Kenmochi für Tendo Mokko, 1960er Jahre. Zedernsesselpaar "Kashiwado", Design Isamu Kenmochi für Tendo Mokko, 60er Jahre © 1sdibs /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13260, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Rattansesselpaar aus der Serie "Rattan Furnitures", Design Isamu Kenmochi, 1958. Paar Rattansessel, Serie "Rattan Furnitures", Design Isamu Kenmochi, 1958 © gallery-wa /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13261, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Hocker "Murai" aus Holz, Design Reiko Tanabe (1934) für Tendo Mokko, Modell 1960 entworfen und ab 1966 produziert. Hocker "Murai" aus Holz, Design von Reiko Tanabe (1934) für Tendo Mokko, Modell 1960 entworfen und ab 1966 produziert © gallery-wa /wp:image wp:paragraph Eine neue Generation von Designern brach mit den traditionellen Codes des japanischen Designs; der kreativste und mutigste war zweifellos Shiro Kuramata (1934-1981), der eine internationale Karriere als Möbeldesigner und Architekt von Außenanlagen verfolgte. Als enger Freund von Ettore Sottsass zögerte Kuramata nicht, sich 1981 dem Abenteuer der Memphis Group Group Memphis anzuschließen. /wp:paragraph wp:image {"align": "center", "id":13262, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Beistelltisch "Kyoto", Design von Shiro Kuramata für Memphis Milano, 1983. Beistelltisch "Kyoto", Design von Shiro Kuramata für Memphis Milano, 1983. Galerie Wauthier © Galerie Wauthier /wp:image wp:paragraph Der Kuramata-Stil? Ein Design, das von Poesie und Leichtigkeit geprägt ist, eine Lust, das "Immaterielle" einzufangen, die ihn dazu veranlasst, einzigartige Werke zu schaffen, die scheinbar ziemlich weit von denen seiner Vorgänger entfernt sind, die aber auf einige große Prinzipien der traditionellen japanischen Kultur verweisen: Sensibilität, Eleganz oder auch Sinneswahrnehmung. Die meisten Stücke von Kuramata sind limitierte oder seltene Serien. Der Stil von Kuramata? Ein Design, das von Poesie und Leichtigkeit geprägt ist, eine Lust, das "Immaterielle" einzufangen, die ihn dazu veranlasst, einzigartige Werke zu schaffen, die scheinbar weit von denen seiner Vorgänger entfernt sind, die aber auf einige große Prinzipien der traditionellen japanischen Kultur verweisen: Sensibilität, Eleganz oder auch Sinnlichkeit. Die meisten Stücke von Kuramata sind limitierte oder seltene Serien. /wp:paragraph wp:image {"align": "center", "id":13263, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Sessel "Miss Blanche", Design: Shiro Kuramata, 1988. Ein ikonisches Stück des Designs des späten 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Die Sitzfläche besteht aus transparentem Kunststoff mit Rosenblättern... © designhome /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13264, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Ein weiteres ikonisches Stück von Kuramata, der auf der Suche nach einer gewissen Immaterialität war: der Sessel "How High The Moon" (1986). Das Stück besteht aus Metallgeflechten und erzeugt ein Spiel aus Transparenz, Licht und Schatten. Ein weiteres ikonisches Stück von Kuramata, das auf der Suche nach einer gewissen Immaterialität ist: der Sessel "How High The Moon" (1986). Das Stück besteht aus Metallgeflechten und erzeugt ein Spiel aus Transparenzen, Schatten und Licht. Galerie Wauthier /wp:image wp:paragraph Aus Kuramatas Generation gibt es noch weitere, die es wagten, originelle und gewagte Möbel zu entwerfen: Masanori Umeda (1941), der auch Teil des Memphis-Memphis-Abenteuers war, Toshiyuki Kita (1942), dessen kreativer Einfluss sich zu einem internationalen Einfluss ausweitete, Arata Isozaki (1931) und Kazuhide Takahama, der für die größten Verleger produzierte: Knoll, Gavina, BB Italia, ... /wp:paragraph wp:image {"align": "center", "id":13265, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} "Ginza Robot cabinet", Design: Masanori Umeda für Memphis Milano, 1982. Laminat auf gepresstem Karton, Chrom - ein typischer Materialmix des Memphis-Stils. "Ginza Robot cabinet", Design: Masanori Umeda für Memphis Milano, 1982. Laminat auf gepresstem Karton, Chrom: ein typischer Materialmix im Memphis-Stil © artsy /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13266, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Chaiselongue "Wink 111" für Cassina, Design: Toshiyuki Kita, 1980. Ein verdammt guter Look für diese Sitzgelegenheit mit verstellbarer Position. Das Gestell ist aus Stahl, die Polsterung aus FCKW-freiem Polyurethanschaum und Polyesterwatte. Liegestuhl "Wink 111" für Cassina, Design: Toshiyuki Kita, 1980. Ein verdammt guter Look für diese Sitzgelegenheit mit verstellbarer Position. Das Gestell ist aus Stahl, die Polsterung aus FCKW-freiem Polyurethanschaum und Polyesterwatte. architonic /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13267, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Stuhl "Marylin", Design: Arata IsoZaki, 1972. Ein wunderschöner, gewölbter Stuhl aus Holz und Polyurethan, eine Hommage an die Kurven von Marylin Monroe... Marylin Chair, Design: Arata IsoZaki, 1972. Ein wunderschöner, gewölbter Stuhl aus Holz und Polyurethan, eine Hommage an Marylin Monroes Kurven... © ideat.thegoodhub /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13268, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Sofasystem "Suzanne" von Kazuhide Takahama für Knoll, 1968. Sofasystem "Suzanne" von Kazuhide Takahama für Knoll, 1968. ideat.thegoodhub /wp:image wp:paragraph Bei genauerer Betrachtung ist das zeitgenössische japanische Design nach wie vor sehr lebendig und kreativ. Die nach 1950 geborenen Tomoyuki Sogiyama (1954), Shin Azumi (1965), Tokujin Yoshioka (1967) und der Jüngste, Oki Sato (1977), verkörpern den japanischen Nachwuchs an der Wende zum 21. Jahrhunderts. Das ist wenig überraschend für ein Land, dessen Märkte zur ständigen Innovation verdammt zu sein scheinen. /wp:paragraph wp:image {"align": "center", "id":13269, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Barhocker "Lem" von LaPalma, Design: Shin Azumi Tomoko Azumi, 2000. Barhocker "Lem" von LaPalma, Design: Shin Azumi Tomoko Azumi, 2000. lamercanti /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13270, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Vase "Blossom", Design Tokujin Yoshioka für Louis Vuitton. Blossom"-Vase, Design von Tokujin Yoshioka für Louis Vuitton. louisvuitton /wp:image wp:image {"align": "center", "id": "13271, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} 2 Offizielle enthüllen die roségoldene olympische Flamme der Spiele in Tokio, die von dem Designer Tokujin Yoshioka entworfen wurde. 2 Offizielle enthüllen die roségoldene olympische Flamme der Spiele in Tokio, die vom Designer Tokujin Yoshioka entworfen wurde © huffingtonpost /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13272, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} Ein Manga Chair von Nendo, dem Studio des japanischen Designers Oki Sato. Ein Manga Chair von Nendo, dem Studio des japanischen Designers Oki Sato © twitter /wp:image wp:image {"align": "center", "id":13273, "sizeSlug": "large", "linkDestination": "none"} "Manga Chair #47", Design: Oki Sato für Nendo, 2015. Oki Sato ist der Anführer der neuen Generation des japanischen Designs. "Manga Chair #47", Design: Oki Sato für Nendo, 2015. Oki Sato ist der Anführer der neuen Generation des japanischen Designs. ideat.thegoodhub /wp:image wp:paragraph {"align": "right"} François Boutard François Boutard /wp:paragraph

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